《西方美术史》是北京大学十佳教师、艺术史知名学者丁宁先生的经典之作，作者深谙博物馆及其艺术作品的鉴藏，以艺术家和作品为叙述的主线，以柔美、亲民的笔触在愿意亲近艺术的读者心中开启了一个散发着“特别的光芒”的世界，透过“西方美术”这一独特的世界，我们不仅可以看到一种自身在时空上无法亲历的“风景”，而且会潜移默化地获致一种艺术地看待自己面对的大千万物的角度。更为重要的是，我们在这些艺术巨匠的引领下，在伟大的杰作面前，在人类一切想象能量和创造悸动中，体会心灵的感动。
  　　以“西方美术史”为题的通史著作**担得起卷帙浩繁这个词，不过，就中国学者所著“西方美术史”而言，这本书读来*是通透舒服，究其关键，胜在不隔，全书并不借用宏大叙事的手法，也不抛出玄奥新奇的观念，而是将西方美术漫长而灿烂的历程讲述得清楚动人，对艺术作品饱含的深情也透出纸背，这便是本书*动人之处。
  　　全书522幅西方经典美术图片，高清印刷，圆脊精装，为你带来一场精彩绝伦的视觉盛宴。
  
  　　《西方美术史》以柔美的笔触将西方艺术的精神精细平易地展现开来：体量惊人的古希腊建筑、优雅精绝的古希腊雕塑、辉煌高妙的文艺复兴、雍容典雅的古典主义、百变奇绚的现代艺术……没有深涩的学院析理，只有一个个鲜活的艺术世界被打开。如果我们会在伟大的杰作面前变得有所感触甚或心潮澎湃的话，那么，我们距离那些创造精灵的迷人境界就已然不远，颇像德国文豪歌德感慨过的那样，“到罗马去，变成另一个人！”在这里，“罗马”就是一条由古代伟大的创造所汇成的艺术长河，沐浴其中，理当洗涤与滋养人的心灵，另一个格调与趣味不俗的人也就可能呼之欲出了。
  
  丁宁，北京大学艺术学院教授，中国美术家协会理事、北京国际双年展策划委员、*美术学科指导委员会副主任委员。著有《接受之维》《美术心理学》《绵延之维——走向艺术史哲学》《艺术的深度》《图像缤纷——视觉艺术的文化维度》等；译有《传统与欲望——从大卫到德拉克洛瓦》《毕沙罗传》《注视被忽视的事物——静物画四论》《媒体文化》《博物馆怀疑论——公共博物馆的艺术展览史》《解码西方名画》《一个感动美国的故事：肯尼迪夫人与<蒙娜·丽莎>的相遇》。
  
  章 绪论
  　艺术何为
  　形体创造
  　色彩魅力
  　线条流韵
  　从视觉艺术到视觉文化
  第二章 爱琴和古希腊美术的魅力
  　爱琴美术一瞥
  　古希腊建筑艺术
  　古希腊雕刻艺术
  　古希腊绘画艺术
  第三章 伊特鲁里亚和古罗马美术的气度
  　伊特鲁里亚艺术一瞥
  　古罗马建筑艺术
  　古罗马雕刻艺术
  　古罗马绘画艺术
  第四章 中世纪美术的皈依
  　拜占庭艺术
  　罗马式艺术
  　哥特式艺术
  第五章 佛罗伦萨画派的贡献――文艺复兴时期美术掠影之一
  　乔托的觉醒
  　马萨乔的启示
  　多纳泰洛的探索
  　波提切利的韵味
  第六章 大师的华彩――文艺复兴时期美术掠影之二
  　列奥纳多·达·芬奇的“纯正”
  　米开朗琪罗的“激越”
  　拉斐尔的“优雅”
  第七章 威尼斯画派的绚丽――文艺复兴时期美术掠影之三
  　贝里尼的开创
  　乔尔乔内的建树
  　提香的追求
  　委罗内塞的快乐戏剧
  　丁托列托的视角
  第八章 北方的气质――文艺复兴时期的美术掠影之四
  　尼德兰文艺复兴美术
  　德国文艺复兴美术
  　法国文艺复兴美术
  　西班牙文艺复兴美术
  　英国文艺复兴美术
  第九章 巴洛克的力度
  　意大利的巴洛克艺术
  　西班牙的巴洛克艺术
  　法国的巴洛克绘画
  　北欧的巴洛克绘画
  第十章 罗可可的情调
  　华托的优雅和伤感
  　布歇的风韵和影响
  　弗拉戈纳尔的情调和活力
  　罗可可时期的夏尔丹
  　意大利的罗可可艺术
  第十一章 新古典主义的圭臬
  　新古典主义的旗手——大卫及其创作
  　新古典主义的中坚――安格尔及其创作
  第十二章 浪漫主义的风采
  　浪漫主义先驱――戈雅
  　法国浪漫主义绘画
  　法国浪漫主义雕塑
  　德国浪漫主义绘画
  　英国浪漫主义绘画
  第十三章 写实主义的菁华
  　法国写实绘画
  　英国写实绘画
  　俄罗斯巡回画派
  第十四章 印象主义的光影
  　法国的印象主义艺术家
  　法国以外的印象主义艺术家
  　印象派的伙伴、雕塑家罗丹及其弟子
  　后印象主义的追求
  　新印象主义的尝试
  第十五章 现代主义的新意
  　立体主义与毕加索
  　野兽派和马蒂斯
  　表现主义和蒙克
  　维也纳分离派和克里姆特
  　未来派艺术一瞥
  　抽象艺术和抽象表现主义
  　达达主义的破坏
  　巴黎画派和莫迪里阿尼
  　超写实主义和达利
  　英国雕塑家亨利·摩尔
  
  序言
  　　我觉得，要把握并享受全人类一流的文化创造成果，就不能不体认精彩的西方美术史，否则，我们获得的印象就一定是不完整的。我们渴望看世界，不只是领略别样的生活存在形式（物质世界，而且应该深入异质的文化创造领域（精神世界。这种“深入”常常是启迪绵绵而又意趣盎然的，同时，可以从中见证参与者或分享者的文化养成和艺术品位的水涨船高。
  　　这里不妨提及法国天才作家普鲁斯特。他在其长篇小说巨作《追忆似水年华》中津津乐道所钟爱的艺术，涉及的西方画家达100多位，著名作品206幅，风格既有文艺复兴时代、新古典主义、浪漫主义、写实主义，又有印象主义和现代主义等，而时间跨度则从14世纪一直贯穿到20世纪，真正是洞开了一个琳琅满目、美不胜收的艺术天地，世上恐怕鲜有作家可与其争锋矣。正是这位饱览了西方艺术精品的作家曾如此颇有心得地说过：
  　　只有通过艺术，我们才能走出自我，了解到别人在这个世界——一个与我们不同的世界里，看到了什么，倘若没有艺术，那么，那个世界中的风景就如同会在月亮上出现的景致一样，我们是一无所知的。由于有了艺术，我们才不只看到我们自身的世界，而是看到了多重的世界，而且，有多少个敢于标新立异的艺术家，我们就能拥有多少个世界，它们的差异性超过了那些在无限空间中运行的世界间的区别，尽管其光源——无论是伦勃朗，还是维米尔——已熄灭了数个世纪，却依然向我们传送着特别的光芒。
  　　在酝酿本书的时候，我心里就想着如何在愿意亲近艺术的读者心中开启一个类似的散发着“特别的光芒”的世界，因为透过这一独特的世界，我们不仅可以看到一种我们自身在时空上无法亲历的“风景”，而且会潜移默化地获致一种艺术地看待自己面对的大千万物的角度。更为重要的是，引领我们的是西方的那些擅长标新立异的艺术家，他们的灵魂之作或会极大地升扬我们内心中潜伏着的想象能量和创造悸动。因而，如果我们会在伟大的杰作面前变得有所感触甚或心潮澎湃的话，那么，我们距离那些创造精灵的迷人境界就已然不远，颇像德国文豪歌德感慨过的那样，“到罗马去，变成另一个人”在这里“罗马”就是一条由古代伟大的创造所汇成的艺术长河，沐浴其中，理当洗涤与滋养人的心灵，另一个格调与趣味不俗的人也就可能呼之欲出了。当然，所谓的“罗马”只是西方美术史中的一个闪亮点而已。从雅典卫城的巴特农神殿、伊斯坦布尔的圣索菲亚教堂、巴黎圣母修道院、米开朗琪罗的《大卫、达芬奇的《蒙娜丽莎、拉斐尔的《雅典学院、贝尼尼的《阿波罗与达芙妮、华托的《发舟西苔岛、安格尔的《泉、德拉克罗瓦的《自由引导人民、米勒的《晚祷、莫奈的《睡莲、梵高的《向日葵，一直到毕加索的《格尔尼卡》等，无一不是令人怦然心动而且可能终身铭志的宁馨儿，我们能够从中一次次地获得如心理学家马斯洛所说的“高峰体验”，应该属于人生的莫大幸福了。
  　　那些无数次地迷倒过众生的杰作正是堪称经典的美术作品，构成了一个个独特而又动情的世界。所谓“经典（classical）一词，源自拉丁文的“classicus，意为“流的。从心理学的角度看“经典”就是一种值得期待并能够一次次地被验证的品质。相信我们不仅可以在风格迥异的西方艺术家的视觉果实中心情激动地再认波诡云谲的历史情境，而且能够体认或重温来自内心深处的律动，甚至感受形式本身的璀璨多姿。事实上，越是经典的，就可能越是迷人的，而越是频频地亲近经典，就有可能更多地体会到晚唐诗人司空图所言的“乘之愈往，识之愈真”的美妙境地。
  　　在尽可能博观约取的前提下，我在写作的过程中首先有意将艺术家和作品作为书中叙述的重点，所以，没有太多地去谈艺术以外的东西。当然，了解艺术家并非易事，尤其是遥远年代的艺术家更其如此。好在艺术品常常就是艺术家心迹的物化，我们从作品切入，也能不同程度地体验到艺术家的真实意向。因而，书中有关作品本身的讯息，譬如年代、媒介材料、尺寸和收藏情况等，都有翔实的交代，目的就在于让读者增强对原作重要性的充分意识，也方便他们在将来可能的条件下亲临博物馆或美术馆凝视特定的原作。同时，本书也较为注重吸取西方美术史现有的研究成果，条分缕析了许多作品的内在含义。其次，所选的作品大多偏重与历史人文知识背景相关的，这样可以让读者在自身知识的基础上拓展和印证对艺术品的认知，从而增加阅读的趣味性。例如，我有意将大量篇幅留给了自己偏爱的意大利文艺复兴时期的艺术。相形之下，不少内容只能略而不谈了。当然，本书没有谈到的部分并非不重要。如果本书的读者在激起了对西方美术史的兴趣后想了解得更多，那正是本书的终意图。我甚至相信，对于艺术的兴趣从来是不会有止境的。再次，我在有关的章节里，尽量清晰地梳理艺术语言发展的主线，目的是便于读者在了解了艺术品的主题、意义之后，还能兴味盎然地探究艺术形式的微言大义以及变化的脉络。在我看来，如果对西方美术的兴趣可以落实到语言、风格之类的问题上，那么，我们离个中三昧才越来越近。
  　　书中涉及的绝大多数作品，我以前在欧美的不同博物馆中曾有幸观摩，有些还不止看过一遍，而每一次看，都有些许新的体会。确实，回忆在原作前的真切感受，令人情不自禁要感慨伟大艺术品的无限魅力。相信越来越多的读者也会有相似乃尔的反应。
  　　是为序。
  　　2014年7月28日记于英国约克
  
  绪论
  　　西方艺术是与西方一系列的文化传统相联系的概念，不仅包容了西方文明的丰富内容，而且，其*为菁华的作品，在某种意义上说，是不可替代的精神食粮，具有非凡的文化能量。
  　　西方美术主要涉及三大类型的样式，即绘画、雕塑与建筑。绘画中除了用工具图绘的作品之外，镶嵌画、版画、彩色玻璃画等均在其中。雕塑是三维的造型，可以有圆雕、浮雕等。建筑 （architecture），原意是高的房屋。它是与实用性关系为密切的艺术。从其功能分，主要可用于纪念与膜拜、防御守卫、消遣娱乐、居住生活和工作场所等。内部常常有图画和雕塑。很多的教堂饰有雕塑、绘画、镶嵌画、彩色的玻璃窗（描绘基督和圣徒的故事），宫殿亦然。
  　　从历史的角度看，人是在理解文字之前就接触图像的。但是，这并不意味着人对图像的把握胜于对文字的理解。恰恰相反，有时图像的读解显得尤为复杂，人们不仅对史前艺术的理解还相当有限，而且即使是对相对晚近的具象的艺术，如《米罗岛的维纳斯》、乔尔乔内的《暴风雨》、列奥纳多达芬奇的
  　　《蒙娜丽莎》、库尔贝的《画室》、马奈的《伯热尔大街丛林酒吧》等，我们在理解上也有不小的困难。
  　　图像解读的挑战意味着图像意义的深邃空间，是类似于“诗无达诂”的标志，有时恰恰就是艺术魅力焕发的一种结果。正是图像的多重性的意义使得人们更为迷恋艺术，将其视为必须亲睹和精读细品的对象。
  　　艺术何为
  　　艺术具有特殊的意义，也许是谁也不会怀疑的事实。古希腊的希波克拉特曾经无限地感慨：“艺术长存，而我们的生命短暂。”这种与人的自身的生命限度相参照的古老赞叹一直延伸到了现代。譬如，奥地利的心理学家奥托兰克
  　　（Otto Rank，1884—1939）就认定，艺术创造的动因正是起自于艺术家超越死亡而永存的欲望。确实，艺术与人生的关联太不寻常了。
  　　在作为人类童年时代的意识的天然流露的古希腊神话中，九位孕育和掌管艺术的女神——缪斯们青春靓丽，楚楚动人。她们既是艺术的灵感，也是艺术的践履者，或弹奏弦乐，或吹奏长笛，或手持演剧面具，或翩然起舞，或沉吟默想，仿佛是在构思千古绝唱……只是在这些女神身上我们难觅造型艺术的影子！古希腊人，这个充满了如德国哲人斯宾格勒所说的那种强烈的造型意志的民族为什么不在九位女神的身上暗示一下古希腊人的造型天性呢？